Ricardo FernándezPelículas del Festival de San Sebastián que ya hemos visto
Como cada año, el equipo de El Contraplano ya ha podido ver muchas de las películas que se proyectarán en el Festival de Cine de San Sebastián. Aquí os dejamos un pequeño comentario sobre cada una de ellas, Esperamos que os sirvan para que hagáis vuestra elección en esta edición.
25 Recomendaciones para el Zinemaldia
08/09/2024 - El Contraplano25+1 películas que el equipo de El Contraplano recomiendan para el Zinemaldia 2024. Leer más
Perlak
Emilia Pérez, de Jacques Audiard
Jacques Audiard, uno de los mejores directores de la actualidad, autor de películas como Un profeta, De óxido y hueso o Los hermanos Sister, nos sorprende una vez más con Emilia Pérez, una película que desafía las convenciones de género y mezcla elementos de drama, thriller y musical con una naturalidad asombrosa. Audiard demuestra una vz más que puede enfrentarse a cualquier reto.
Emilia Pérez tiene un argumento que, sobre el papel, es de lo más loco y que solo lo soporta un musical: Manitas de Cerdo, un duro y violento narcotraficante mexicano quiere transicionar a mujer, porque quiere vivir la vida siendo sincera con lo que siente. A partir de ahí, Audiard explora temas como la masculinidad tóxica, la violencia estructural en México, los celos y la redención, todo ello a través de un tono fresco y provocador que mezcla drama, thriller y musical. Con una Zoe Saldaña espectacular y, sobre todo, el descubrimiento de Karla Sofía Gascón en el papel de Emilia. Audiard vuelve a firmar una de las mejores películas del año.
Recomendada para amantes de los musicales y quienes disfrutan de las películas que rompen moldes y no tienen miedo de mezclar géneros.
‘Emilia Pérez’: Audiard cambia de género
19/05/2024 - Ricardo Fernández8.5 Reseña de Emila Pérez, de Jacques Audiard Jacques Audiard es, sin duda, uno de los mejores cineastas de su generación. Autor de grandísimas películas de muy diferentes géneros que van desde el thriller carcelario y mafioso de Un profeta, al retrato dramático de la sociedad actual en París, Distrito 13, pasando por el Western […] Leer más
Marco, de Jon Garaño y Aitor Arregi
Jon Garaño y Aitor Arregi, dos de las patas de Moriarti, son habituales del Zinemaldia, aunque estamos más acostumbrados a verles en Sección Oficial con películas como Loreak, Handia o La trinchera infinita -Premio Flipesci Zinemaldia en 2019-. En esta ocasión, y tras pasar por Orizontti de Venecia, nos presentan Marco, una película que explora la increíble historia de Enric Marco, quien durante años se hizo pasar por superviviente de un campo de concentración nazi. La cinta se mueve con soltura entre el drama y la reflexión sobre la naturaleza de la mentira, jugando con la fina línea que separa la verdad de la ficción.
Eduard Fernández encarna a Marco de manera magistral y, a través de su carisma, la película nos invita a cuestionar nuestra capacidad de creernos historias que parecen demasiado increíbles para ser ciertas. Con detalles metacinematográficos y un guion que mezcla realidad y ficción, Marco, además de entretener, hará reflexionar al espectador. Una película que toca temas muy actuales en esta época de la postverdad.
Recomendada para quienes quieran ver una de las interpretaciones del año y personas interesadas en el poder de la ficción, la manipulación narrativa y el control del relato.
‘Marco’: Aunque no sea cierto…
30/08/2024 - Ricardo Fernández7 Reseña de Marco, de Jon Garaño y Aitor Arregi Marco es la última película de Jon Garaño y Aitor Arregi. En esta ocasión, no han formado un trío con Jose Mari Goenaga —aunque participa en el guion—, el tercer director que, junto a Garaño, Arregi y el productor Xabier Berzosa, conforman Moriarti Produkzioak. La […] Leer más
All We Imagine As Light (La luz que imaginamos), de Payal Kapadia
El cine indio regresó la competición por la Palma de Oro en Cannes con esta película dirigida por Payal Kapadia que se convirtió en una de las grandes sorpresas del festival francés. La película sigue la historia de tres mujeres, Prabha, Anu y Parvaty, enfermeras en un hospital de Mumbai que enfrentan dificultades tanto personales como sociales mientras intentan encontrar su lugar en la inmensa y caótica ciudad. Desde la lucha de Prabha por mantenerse fiel a su esposo en el extranjero hasta la relación secreta de Anu con un joven musulmán, Kapadia nos presenta un retrato íntimo y político de la vida en la India moderna.
Con una mirada poética y sensorial, la directora captura momentos cargados de tacto y emoción: desde el roce accidental de dos amantes en un autobús hasta la lluvia que se adhiere a la piel. A través de estos detalles, Kapadia ofrece una visión profundamente femenina y política, especialmente en un contexto donde las tensiones religiosas son más palpables que nunca. La fotografía y la música juegan un papel fundamental, logrando reflejar tanto el bullicio de Mumbai como la calma lírica de un pequeño pueblo costero, donde las protagonistas encuentran la paz y el sentido a su viaje.
Recomendada para quienes disfrutan de un cine sensorial y poético, con una carga política sutil pero poderosa.
‘All We Imagine As Light’: Tres mujeres en Mumbai
24/05/2024 - Ricardo FernándezUna de las mejores películas de Cannes ha venido de la India, "All We Imagine As Light", de PAyal Kapadia Leer más
Anora, de Sean Baker
Sean Baker –The Florida Project, Red Rocket– uno de los mejores retratistas de los estratos marginales de Estados Unidos, nos presenta Anora, una película que reinventa el mito de Pretty Woman pero desde una perspectiva cruda y realista, alejada de los clichés románticos de Hollywood. En esta ocasión, la historia sigue a Ani, una trabajadora sexual que vive en Brooklyn y se casa impulsivamente con Ivan, un joven ruso adinerado. Sin embargo, las cosas se complican cuando el padre de Ivan, un oligarca, envía a sus hombres para anular el matrimonio, desatando una serie de eventos frenéticos en apenas 24 horas.
Baker, fiel a su estilo, nos ofrece una visión honesta y respetuosa de sus personajes. Mikey Madison brilla en el papel de Ani, combinando dulzura y dureza, mientras que Yura Borisov destaca por su sensibilidad oculta bajo una fachada de frialdad. La fotografía en 35mm captura perfectamente la cara B de un Nueva York diferente al que conocemos y la melancolía de Coney Island en invierno. Sean Baker tiene el talento para no perder la luz, ni el humor, incluso cuando todo parece perdido. Ganó la Palma de Oro en Cannes., además del Flipesci Cannois.
Recomendada para quienes buscan un cine realista y empático que retrata las vidas de los marginados sin juzgar ni dulcificar su realidad y sin renunciar al humor.
‘Anora’: No es Pretty Woman
22/05/2024 - Ricardo FernándezUna de las mejores películas de Cannes 2024 ha sido "Anora" de Sean Baker. Leer más
Bird, de Andrea Arnold
Andrea Arnold, conocida por su enfoque crudo y honesto en películas como Fish Tank y American Honey, nos trae Bird, un ambicioso intento de fusionar el realismo social con el realismo mágico. La película sigue a Bailey, una niña de doce años que vive en un barrio deprimido de Kent, interpretada de forma sobresaliente por la debutante Nykiya Adams. La vida de Bailey cambia cuando conoce a Bird, un hombre excéntrico que parece sacado de otro mundo, interpretado por el siempre notable Franz Rogowski.
Con una fotografía evocadora y el uso de la cámara en mano, Arnold crea un mundo que oscila entre lo crudo y lo poético. El realismo mágico aparece como un respiro de la dura realidad de los personajes, aunque no siempre la combinación de estilos funciona de manera fluida. Sin embargo, el reparto, liderado por Adams y un carismático Barry Keoghan, aporta una humanidad conmovedora que sostiene la película.
Recomendada para aquellos que disfrutan de historias que exploran la dureza de la vida cotidiana con un toque de fantasía y para los fans del cine de Andrea Arnold.
‘Bird’: ¿Suficientemente real?
17/05/2024 - Ricardo Fernández6.5 Reseña de Bird, de Andrea Arnold Esta edición del Festival de Cannes, todas en realidad, tiene un gran número de cineastas habituales del festival presentando sus nuevos trabajos. Uno de esos nombres habituales es el de la británica Andrea Arnold, una de las pocas directoras presentes este año, que regresa a la Croisette con […] Leer más
Megalópolis, de Francis Ford Coppola
Francis Ford Coppola, grande entre los grandes, regresa con Megalópolis, un proyecto que llevaba más de 40 años gestando y que, como era de esperar, es tan grandioso como desbordante. El director ha invertido más de 120 millones de su propio dinero en esta película -no se sabe muy bien en qué- que sigue a César Catilina (Adam Driver), un millonario visionario que sueña con construir una utopía futurista en Nueva Roma. En su camino, se enfrenta al conservador alcalde Cicero (Giancarlo Esposito) y a las tensiones políticas y personales que surgen en medio de una ciudad que parece sacada de un cómic de ciencia ficción.
Megalópolis es a veces es visualmente impactante,, con momentos de gran poder cinematográfico. Entre el elenco destacan, sobre todo Nathalie Emmanuel y Shia LaBeouf, quienes aportan vida y carisma a sus personajes. Sin embargo, la película tiene un tono mesiánico que a veces roza lo pretencioso, y su guion, repleto de ideas ambiciosas, tiende a dispersarse. Aun así, Coppola demuestra que, a sus 85 años, sigue siendo un cineasta que no tiene miedo de arriesgar y ofrecer algo completamente personal.
Recomendada para aquellos que aprecian el cine como una experiencia arriesgada y única, y para los seguidores del genio de Coppola en su faceta más libre y visionaria.
‘Megalopolis’: Riesgo y ambición disfrazados de fábula
- Ricardo Fernández6 Reseña de Megalópolis, de Francis Ford Coppola Que Megalópolis iba a ser una película excesiva era algo que todos sabíamos antes de verla. Es de sobra conocido como Francis Ford Coppola, emborrachado como estaba de poder -y más cosas- en el momento álgido de su carrera, convirtió el rodaje de Apocalypse Now en un […] Leer más
Oh Canada, de Paul Schrader
Paul Schrader, un cineasta que en los últimos años nos ha brindado películas como El maestro jardinero (2022), El contador de cartas (2021) o El reverendo (2017), por no hablar de clásicos como Mishima (1985) o los guiones de Taxi Driver (1976) y Toro Salvaje (1980), regresa con Oh Canada, presentada en el Festival de Cannes, pero en esta ocasión el nivel no se aproxima minimamente a nada de lo citado. La película sigue a Leonard Fife (Richard Gere), un documentalista terminal que concede una última entrevista para confesar verdades ocultas a su mujer, interpretada por Uma Thurman. A través de saltos temporales y confusiones deliberadas, Schrader trata de explorar temas como la memoria y la redención, pero la narrativa se enreda en su propia complejidad, sin llegar a ofrecer un mensaje claro.
A pesar de contar con un elenco de renombre, incluyendo a Michael Imperioli y Jacob Elordi, además de Gere yThurman, los personajes carecen de profundidad y sus comportamientos resultan arbitrarios. Richard Gere tiene algunos momentos destacados, pero el resto del reparto no brilla debido a la falta de un desarrollo coherente. Oh Canada es un intento ambicioso, pero que no consigue tocar las grandes ideas que pretende abordar.
Recomendada para aquellos seguidores acérrimos de Schrader.
‘Oh Canada’: Confusa confusión
19/05/2024 - Ricardo Fernández3.5 Reseña de Oh Canada, de Paul Schrader Resulta duro escribir sobre una película que encuentras fallida. Sobre todo cuando viene de un cineasta como Paul Schrader que en los últimos años nos ha brindado películas como El maestro jardinero (2022), El contador de cartas (2021) o El reverendo (2017), por no hablar de clásicos […] Leer más
Parthenope, de Paolo Sorrentino
Paolo Sorrentino vuelve a rendir homenaje a su adorada Nápoles con Parthenope, una película que mezcla su característico estilo con una reflexión sobre la belleza y el paso del tiempo. Protagonizada por la debutante Celeste Dalla Porta, Parthenope sigue la vida de una joven napolitana desde su adolescencia hasta la treintena, mientras busca el significado de la belleza en un mundo que constantemente la juzga y moldea. El viaje de Parthenope es también una metáfora de la ciudad que la inspira, un lugar lleno de contradicciones y magnetismo.
Con una fotografía deslumbrante y una banda sonora cargada de melancolía, Sorrentino nos ofrece una película que, como era de esperar, a veces cae en lo excesivo y trata siempre de ser hipnótica. Con todos los tics y dejes típicos de su autor, que tanto gustan a unos como exasperan a otros.
Recomendada para seguidores de Sorrentino y amantes de los paisajes de la costa amalfitana.
‘Parthenope’: La búsqueda de la belleza
23/05/2024 - Ricardo Fernández7 Reseña de Parthenope de Paolo Sorrentino Parthenope, en la mitología griega, fue una bella sirena que tras fracasar en el intento de encantar a Odiseo y sus hombres, se arrojó al mar y su cuerpo llegó a la costa donde se fundó la antigua ciudad de Parténope, que luego se convirtió en Nápoles. Desde […] Leer más
The Substance, de Coralie Fargeat
The Substance, la segunda película de Coralie Fargeat, sacudió a Cannes con su provocador enfoque, más propio de festivales de género como Sitges o la Semana que de las sesudas propuestas de la Croisette. Protagonizada por Demi Moore como Elizabeth Sparkle, la película sigue a una actriz en declive que acepta un tratamiento radical para recuperar su juventud a través de una versión más joven de sí misma, interpretada por Margaret Qualley. Lo que empieza como una solución a las presiones estéticas de la industria se transforma en una lucha de poder entre generaciones y una reflexión sobre la vanidad y la identidad.
Fargeat no escatima en sangre ni en imágenes perturbadoras, utilizando el horror corporal para reflexionar sobre las imposiciones sociales que enfrentan las mujeres a medida que envejecen. La película es una crítica mordaz y visualmente extrema al culto a la juventud, con un estilo que recuerda a los trabajos de Cronenberg, pero con una sensibilidad feminista feroz. La combinación de horror y sátira social convierte a The Substance en un relato visualmente impactante y narrativamente feroz. Demi Moore nos regala una de las mejores interpretaciones de su carrera.
Recomendado para quienes no tengan miedo de ver sangre y vísceras en pantalla. A evitar por quienes dicen cosas como “ni feminismo, ni machismo”.
‘The Substance’: Feminismo sangriento
21/05/2024 - Ricardo FernándezThe Substance: ¿qué mejor género que el terror para hablar del miedo que la sociedad impone a las mujeres a envejecer, a estar feas? Leer más
[A partir de aquí son películas vistas y comentadas por Carlos Elorza]
Ainda estou aqui (I’m Stilla Here), de Walter Salles
El director de Estación Central de Brasil y Diarios de Motocicleta vuelve a dirigir un largometraje con la adaptación de la novela del mismo título de Marcelo Rubens Paiva, en la que cuenta la lucha de su madre para conocer el paradero de su marido desaparecido durante la dictadura militar de principios de los 70 en Brasil y su lucha para conseguir un reconocimiento después. Lo que empieza como una película familiar se va tornando en un film político a favor de la memoria histórica. Si bien la película se ha llevado el premio al mejor guión en el Festival de Venecia, lo más destacado del film es la sobria, pero emotiva interpretación de su protagonista, Fernanda Torres, en el papel de la madre de la familia.
Recomendada para aficionados a los dramas familiares y al cine político.
‘I’M STILL HERE’: Del paraíso al infierno
07/09/2024 - Carlos Elorza7 Doce años después de su anterior largometraje de ficción, En el camino en el que adaptaba la novela de Jack Kerouac, y diez después de su documental Jia Zhang-ke, un hombre de Fenyang, en homenaje al director chino, el brasileño Walter Salles vuelve a dirigir un largo de ficción: I’m Still Here. Y para […] Leer más
The Seed Of The Sacred Fig (Daney Anjir Maabed), de Mohammad Rasoulof
El director de esta película tuvo que huir de Irán cuando las autoridades de su país lo condenaron a ocho años de prisión, latigazos y confiscación de bienes por el contenido de sus películas. Películas como La vida de los demás, Los manuscritos no arden, La isla de hierro o The White Meadows con la que compitió por la Concha de Oro en 2009.
Gracias a esta huida pudo recoger el Premio Especial que le otorgó el jurado del festival de Cannes por esta denuncia frontal y directa del régimen iraní y en especial, de la situación de las mujeres en su país. Ambientada durante las protestas tras la muerte de la joven Mahsa Amini a finales de 2022, arranca como un sólido drama moral, pero a medida que avanza, se va convirtiendo en un thriller más convencional en el que se acaba comprometiendo demasiado la verosimilitud de la historia.
Recomendada para aficionados al cine iraní a lo Farhadi y a la denuncia política.
PROYECCIONES PREMIO DONOSTIA
La habitación de al lado, de Pedro Almodóvar
Pedro Almodóvar se ha llevado el León de Oro a la mejor película por este drama sobrio y contenido en torno a la muerte que es su primer largometraje en inglés. Protagonizada por Tilda Swinton y Julianne Moore, ambas soberbias, y con John Turturro en un papel secundario es la adaptación de la novela Cuál es tu tormento de Sigrid Núñez. Con unos diálogos magníficos y una puesta en escena más sobria y elegante que lo que suele ser habitual en el cine de Almodóvar, solo unos flashbacks que además de innecesarios, desentonan con el tono general del film impiden que hablemos de una película casi redonda.
Recomendada para los fans de Almodóvar y los aficionados a los dramas íntimos y contenidos.
‘LA HABITACIÓN DE AL LADO’: FRENTE A LA MUERTE
03/09/2024 - Carlos Elorza7 Tras sus cortos La voz humana protagonizado por Tilda Swinton y Extraña forma de vida por Ethan Hawke y Pedro Pascal, llegó por fin el esperado debut de Pedro Almodóvar en un largo dialogado en inglés, La habitación de al lado, la adaptación al cine de la novela Cuál es tu tormento de la […] Leer más
Rumours, de Evan Johnson, Galen Johnson y Guy Maddin
Una comedia con toques fantásticos con demasiados chistes y gags que no funcionan ambientado en una cumbre de los líderes del G7 en la que deben ponerse de acuerdo para redactar una declaración sobre una crisis mundial. A pesar de incluir a Cate Blanchett, Alicia Vikander, Denis Ménochet y Charles Dance en su reparto y su arranque prometedor, a la película se le agota el ingenio y las ideas divertidas demasiado pronto y se acaba convirtiendo en un mal chiste alargado durante casi dos horas.
Recomendada para personas que quieran reírse con chistes de geopolítica y tópicos nacionales.
HORIZONTES LATINOS
El jockey, de Luis Ortega
La nueva película del director El ángel que se pudo ver en Perlak en 2018, una producción argentina protagonizada por Nahuel Pérez Biscayart y Úrsula Coberó junto a Daniel Giménez Cacho y Mariana Di Girolamo acaba concursar en el Festival de Venecia. En ella un jinete legendario entra en una crisis autodestructiva que amenaza la relación con su novia, también jinete, que espera un hijo suyo y tensa su relación con su jefe, un capo de los bajos fondos de Buenos Aires. Todo con un tono surrealista y sin miedo al absurdo, con un extraño sentido del humor, un carismático Nahuel Pérez Biscayart y la fotografía de Timo Salminen, colaborador habitual de Aki Kaurismaki.
Recomendada para fans de Nahuel Pérez Biscayart y aficionados a las historias criminales originales.
Simón de la montaña, de Federico Luis
Esta coproducción entre Argentina, Chile y Uruguay sobre un joven de 21 años incapaz de asimilar su nueva situación familiar y que solo parece encajar conviviendo con un grupo de personas con discapacidad y haciéndose pasar por uno ellos se llevó el Gran Premio de la Semana de la Crítica de Cannes. La interpretación de su actor protagonista, Lorenzo Ferro, es arrolladora, pero su director no acaba de encontrar siempre la sensibilidad y delicadeza especiales que la historia y la temática requieren.
Para aficionados a los dramas de jóvenes inadaptados que busque una mirada distinta a la discapacidad.
ZABALTEGI – TABAKALERA
April, de Dea Kulumbegashvili
La directora de Beginning, la película que arrasó en la edición del Zinemaldi del 2020, se ha llevado el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia por este poderoso alegato feminista en el que se denuncia la situación de las mujeres en la Georgia rural. La protagonista de April es una ginecóloga que además de su trabajo en el hospital se dedica a realizar visitas a domicilio para ayudar a mujeres a interrumpir el embarazo, facilitarles píldoras anticonceptivas y apoyarles en todo lo concerniente a sus embarazos. April es una película sobre mujeres embarazadas, que paren y que sufren la violencia doméstica y confirma el talento narrativo de su directora para utilizar las elipsis, los fueras de campo, los encuadres poco convencionales y los espacios vacíos y los tiempos muertos generación una emoción profunda, pero sin caer en sentimentalismos.
Recomendada para los cinéfilos a los que les gustó Beginning y espectadores pacientes y con una actitud activa ante una película. Abstenerse machistas recalcitrantes y miembros convencidos de grupos provida.
‘April’: Nosotras parimos
05/09/2024 - Carlos Elorza9 Hace 4 años, el año de la pandemia, la georgiana Dea Kulumbegashvili revolucionó el Zinemaldi con Beginning, su ópera prima, que avalada por el sello de Selección Oficial del Festival de Cannes que no se celebró, pudo concursar por la Concha de Oro y arrasó. El jurado presidido por Luca Guadagnino decidió concederle 4 […] Leer más
Spectateurs! (Filmolovers), Arnaud Desplechin
Documental en el que Desplechin le rinde un homenaje a todo el cine, al más popular y al de arte y ensayo, y a la cinefilia combinando la recreación del origen de la suya y una selección bastante arbitraria de las experiencias y recuerdos de otros a los que pregunta en los cines o en la calle con algunas imágenes icónicas de la historia del cine. Una celebración de la magia de las salas de cine en la que por una vez los espectadores somos los protagonistas.
Recomendada para cinéfilos interesados en saber el origen y la forma en la que otros viven su cinefilia
Super Happy Forever, de Kohei Igarashi
Sano, un joven que acaba de quedarse viudo, vuelve junto a su amigo Miyata a Izu, el lugar en el que conoció a su esposa hace cinco años. Con delicadeza y ternura, de forma sugerente y sin dramatismos, ni sentimentalismos, Igarashi salta entre los dos tiempos de la película para contar la forma en la que se conocieron Sano y Nagi y el duelo actual del primero por la pérdida. La película retoma personajes, localizaciones y situaciones ya vistas en el cortometraje Two Of Us que se presentó el año pasado también en Zabaltegi. Pero tampoco hace falta haberlo visto para disfrutar de Super Happy Forever. Igarashi también presentó en Zabaltegi en 2017 El viaje a Takara codirigida por el francés Damien Manivel.
Recomendada para los espectadores que vieron Two Of Us y se quedaron con ganas de conocer más sobre esos personajes.
My Sunshine, Hiroshi Okuyama
En 2018 Jesús, la ópera prima de Hiroshi Okuyama, ganó el Premio Kutxabank-Nuevos Directores del Zinemaldia. Ahora, el director japonés regresa a San Sebastián, pero esta vez lo hace en Zabaltegi una sección que no parece la más adecuada para una película que en ningún caso resulta tan rompedora o poco convencional como las que suelen estar en Zabaltegi.
My Sunshine sigue a Takuya, un joven adolescente fascinado por Sakura, una compañera que es una prometedora patinadora artística. Miestras todos sus amigo juegan a hockey sobre hielo, él se pone en manos de Arakawa, el entrenador de Sakura. Una historia sobre tres personas que encuentran en el deporte la manera de solucionar sus problemas de relaciones y complejos. Dulce, bonita, con escenas emotivas, pero que no termina de despegar y se ve lastrada por unas interpretaciones justitas. [Ricardo Fernández]
Recomendada para amantes de la sensibilidad japonesa y aficionados al patinaje artístico.
C’est pas moi, Leos Carax
Esto sí, esto es puro Zabaltegi-Tabakalera. Leos Carax el (ya no tan) enfant terrible del cine francés ha construido este mediometraje de apenas 40 minutos como un collage de fragmentos de sus película,s, de videos caseros, de películas clásicas, de fotografías, a modo de autodefinición, confesión, quién sabe si explicación y, sobre todo, provocación. Un collage que recuerda, inevitablemente, a las últimas películas de Godard, pero con el aroma inconfundible del propio Leos Carax. [Ricardo Fernández]
Recomendado para fans del director de Holy Motors, Pola X, Annette o Los amantes del Pont Neuf.