‘La seducción’: Sofia Coppola y el gótico sureño

El cine de Sofia Coppola VI

Cuando diriges es el único momento en que puedes tener el mundo exactamente como lo quieres.
Sofia Coppola

La seducción (2017)

Tras conquistar el León de Oro con The Bling Ring y obtener su mejor resultado de taquilla desde Lost In Translation, Sofia Coppola regresó al Festival de Cannes con La seducción, una película protagonizada por Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning y Colin Farrell. La película adaptaba la novela A Painted Devil de Thomas P. Cullinan, como la película El seductor de Don Siegel estrenada en 1971 (en inglés las dos se titularon The Beguiled). Si en su anterior visita con Maria Antonieta tuvo que escuchar abucheos en esta la película se recibió con más frialdad por la mayor parte de la crítica. No por parte de quien esto escribe a quien la película le pareción una película notable. Aquí dejo la reseña que escribí entonces. El jurado, eso sí, le otorgó el premio a la mejor dirección. Segunda mujer en lograrlo tras Yuliva Solntseva por The Story of the Flaming Years en 1961. Ninguna otra mujer lo ha ganado desde entonces.

La seductora atmósfera de Sofia Coppola

17/08/2017 - Ricardo Fernández

8 Reseña de La seducción Antes de nada, una aclaración, La seducción de Sofia Coppola no es un remake de El seductor de Don Siegel. Las dos películas son adaptaciones diferentes de la misma novela, A Painted Devil (The beguiled) de Thomas P. Cullinan. Evidentemente al tener el mismo origen tienen muchas similitudes, pero también […] Leer más

Ahora me gustaría profundizar en temas que no toqué en aquel texto.

Gótico sureño feminista

El terror gótico tiene sus orígenes en la literatura del siglo XVIII y se caracteriza por su aura de misterio y horror, abordando temas de decadencia, muerte y lo sobrenatural, a menudo en escenarios como antiguas mansiones o paisajes desolados. De ahí surgió un subgénero en Estados Unidos llamado Gótico sureño que utilizaba elementos sobrenaturales o extraños no tanto para generar suspense, sino para explorar cuestiones sociales y la cultura del Sur, para desmontar la mítica del idílico Sur anterior a la guerra de secesión. El gótico sureño se centraba en la decadencia, y la presión del pasado, reflejando las secuelas de la aristocracia sureña y las tensiones raciales, marcadas por una historia de esclavitud y racismo. La decadencia post-Guerra Civil, semejante a la de los castillos góticos, muestra plantaciones en declive, y una línea borrosa entre víctimas y villanos.

Sofia Coppola, en La seducción, adopta elementos de este gótico sureño que está muy presente en la novela original, pero se desvía de su enfoque tradicional en la esclavitud y el racismo para orientarlo hacia una exploración del papel de la mujer, su poder y resistencia dentro de un contexto históricamente opresivo. Transforma una escuela de señoritas en un microcosmos de poder, deseo, y resistencia, reinterpretando la estética gótica dentro de una narrativa feminista. Sofia Coppola no solo se nutre de los elementos característicos del gótico sureño, sino que los reconvierte para plantear una reflexión profunda sobre el rol y los deseos femeninos.

En La seducción, Sofia Coppola vuelve a crear atmósferas a través del uso meticuloso de colores, texturas y el manejo del espacio. La paleta de colores, y su textura, transitan a lo largo de la película de los tonos suaves y las telas ligeras a colores más oscuros y texturas pesadas, reflejando el cambio atmosférico de la hospitalidad inicial a la tensión y conflicto crecientes. Una vez más, el uso de la moda no solo adorna la película sino que simboliza la transición emocional y narrativa, marcando el tono para una exploración más profunda de temas complejos como las dinámicas de poder, la identidad femenina y la resistencia. La elección de vestuario y accesorios comunica sutilmente aspectos cruciales de los personajes y sus relaciones, enfatizando la importancia de la apariencia en la construcción de identidades personales y sociales, convirtiéndose en una herramienta de expresión y empoderamiento.

La llegada del Cabo McBurney (Colin Farrell) al internado femenino marca un punto de inflexión, alterando significativamente la dinámica del lugar. Las mujeres, en un intento por captar su atención, cambian sus atuendos habituales por otros que sugieren pureza, seducción o rivalidad. Por ejemplo, Edwina (Kirsten Dunst) adopta un vestido floral con un alfiler para hacerse más atractiva, mientras que en otra ocasión, Edwina, se prepara para la visita de McBurney a su habitación con un vestido que sugiere pureza y virginidad, preparándose como si fuera un objeto sacrificial. Este acto de vestirse de manera intencionadamente virginal refleja no solo la percepción de la feminidad y la inocencia en el contexto de la época sino también la manipulación consciente de su imagen para influir en McBurney. No solo ella actúa así, también vemos a las otras mujeres del internado usando accesorios como pendientes o flores en el cabello, evidenciando una transformación consciente provocada por la presencia del soldado.

Las cenas se convierten en escenarios de competencia y deseo, donde la ropa subraya las tensiones y la lucha por el afecto de McBurney. La osadía de Alicia se manifiesta en su cabello suelto, mientras que Edwina se distingue por un vestido de seda azul, con hombros descubiertos, en contraste con los tonos rosas apagados de los demás, como una muestra ostentosa de atractivo y diferencia de clase. Cuando Miss Martha (Nicole Kidman) critica el vestido de Edwina como inapropiado para una escuela de señoritas, también revela su percepción de Edwina como rival potencial.

El clímax de la película, marcado por el «accidente» de McBurney y el siniestro plan de envenenamiento, utiliza nuevamente la moda para indicar un cambio dramático en la narrativa. La apariencia seductora de las mujeres en esta cena oculta sus verdaderas intenciones, sirviendo como una fachada para su plan. McBurney, vestido nuevamente con su uniforme reparado, está literalmente «desenmascarado» como el enemigo para todas excepto para Edwina, con quien ha consumado su relación.

Diferencias con la versión de Don Siegel

Sofia Coppola ofrece una interpretación muy distinta de novela original de Thomas P. Cullinan de la que realizo Don Siegel en su película de 1971. No solo hay un marcado cambio en la estética y el estilo narrativo -la versión de Siegel es cruda y directa, con un estilo que enfatiza la tensión y la atmósfera gótica propia del cine de su época, la de Sofia Coppola opta por una estética más refinada y estilizada- sino también en la perspectiva y el enfoque temático.

Desde el principio, Sofia Coppola se centra en las dinámicas internas y las perspectivas de los personajes femeninos, prestando especial atención a sus emociones, deseos y la complejidad de sus relaciones interpersonales. Esta aproximación contrasta con la versión de Siegel, que adopta un enfoque más centrado en la tensión sexual y el conflicto psicológico, inclinándose por una representación más convencional del suspense y el drama. A diferencia de Siegel, cuya narrativa se inclina más hacia la perspectiva masculina, centrada en el personaje interpretado por Clint Eastwood, Sofia Coppola reenmarca la historia para destacar la experiencia de las mujeres. Explora los temas de feminidad, poder y aislamiento desde una óptica femenina, reorientando la narrativa hacia la resistencia y autonomía de las mujeres.

La subversión de la mirada masculina se evidencia claramente en la forma en que Sofia Coppola invierte los roles de observador y observado -una característica común a prácticamente toda su filmografía-. En la versión de Don Siegel, se enfatizan explícitamente las fantasías sexuales del cabo McBurney, incluyendo tríos, dominación violenta y un cierto toque incestuoso. Por contraste, Sofia Coppola relega al personaje masculino a un objeto dentro del espacio femenino, donde es el hombre quien es observado y las mujeres quienes ejercen una mirada activa.

El cuerpo mostrado y deseado es el de él

Hay pequeños detalles a lo largo de la película que simbolizan la capacidad de las mujeres para tomar decisiones drásticas y ejercer control, como cuando Edwina está enseñando la conjugación de «être» (ser/estar en francés) y omite el masculino “yo soy, tú eres, ella es…”, que se podría considerar como un sutil rechazo simbólico al patriarcado. Estos elementos, ausentes en la película de Siegel, destacan la resistencia y autonomía femenina, convirtiendo el acto de violencia final, que evidentemente también estaba en la versión de Siegel, en un triunfo del empoderamiento femenino y el rechazo al opresor masculino.

Como curiosidad, antes mencionábamos que el gótico sureño suele tratar temas de esclavitud, pero que Sofia Coppola utilizó sus elementos para centrarse en el feminismo. Sin embargo, la decisión de no incluir a mujeres negras en ese ambiente, específicamente la omisión del personaje de Hallie, una esclava negra presente en la novela original y en la adaptación de 1971, generó polémica. Esta elección fue vista por algunos como un reflejo de una perspectiva exclusiva y privilegiada, particularmente en un contexto marcado por el movimiento Black Lives Matter y una mayor conciencia sobre las injusticias raciales. Sofia Coppola defendió su decisión argumentando que buscaba evitar clichés ofensivos y admitió su inseguridad para abordar de manera adecuada la política racial, aunque reconoció que su explicación podría no ser suficiente para mitigar las críticas.

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