El ContraplanoLas cenas, los turrones, los villancicos, los regalos… y los top del año. Cosas que no pueden faltar en estas fechas. En El Contraplano contribuimos a que así sea y aquí os dejamos nuestro Top de las mejores películas que hemos visto entre las estrenadas en España en 2024. Una cosecha excelente que ha dejado fuera del top a un puñado de magníficas películas.
Top 10 de El Contraplano
- La zona de interés (Jonathan Glazer)
- Anora (Sean Baker)
- La quimera (Alice Rohrwacher)
- El mal no existe (Ryusuke Hamaguchi)
- Sangre en los labios (Rose Glass)
- El árbol de las mariposas doradas (Pham Thien An)
- Los que se quedan (Alexander Payne)
- Maxxxine (Ti West)
- Emilia Pérez (Jacques Audiard)
- Nosferatu (Robert Eggers) // No esperes demasiado del fin del mundo (Radu Jude)
Las favoritas de Ricardo
1- Emilia Pérez
Jacques Audiard, con 72 años y la curiosidad y audacia intactas, sorprende con Emilia Pérez, un musical operístico en español que fusiona comedia, drama, melodrama, narcotráfico, crítica social y reivindicación trans en torno a la transformación de “Manitas” (Karla Sofía Gascón) en Emilia Pérez, cuya historia de redención personal está marcada por la violencia y la corrupción en México. Poniendo la masculinidad tóxica como origen de la brutalidad social; la película mezcla humor y desenfado al estilo Broadway o Busby Berkeley, sin perder tensión ni ritmo, y ofrece brillantes interpretaciones de Zoe Saldaña (como la abogada Rita) y de Karla Sofía Gascón, confirmando la versatilidad de Audiard y su capacidad para reinventarse.
2- Anora
La premisa de Anora podría haber derivado en la típica comedia romántica, pero la película coge otros derroteros con inteligencia, sensibilidad y un sentido del humor muy personal. Con guiños al género clásico, la historia aborda las relaciones humanas desde un enfoque distinto, evitando moralismos y estereotipos. Anora no es un cuento de hadas, sino una mirada incisiva a las desigualdades sociales. Sean Baker vuelve a demostrar su habilidad para tratar con respeto y empatía a quienes han sido marginados por el mundo en el que vivimos. Mikey Madison, en su primer papel protagonista, brilla con una interpretación inolvidable.
3- La quimera
Una película más en la que Alice Rohrwacher demuestra su destreza para manejar el realismo mágico, conjugando mundos oníricos con temáticas contemporáneas. La quimera se sumerge en la fantasía y la magia, mientras en el trasfondo habla de la resiliencia y la esperanza, de la transitoriedad de la vida y la eternidad de la memoria. Protagonizada por Josh O’Connor, Alba Rohrwacher, Carol Duarte e Isabella Rossellini, se presenta como un cuento que a veces resulta cómico, a veces dramático y a veces de aventuras, donde la realidad y los anhelos se mezclan con delicadeza, al tiempo que explora los matices de sus personajes y sus conflictos internos. Una auténtica joya.
4- Robot salvaje
Sin duda, uno de los temas de 2024 ha sido la irrupción de la inteligencia artificial y, precisamente, Robot salvaje propone una reflexión sobre la empatía en un futuro marcado por esa tecnología. A través de la relación entre máquinas y animales —aunque podrían ser personas—, enfrenta la lógica y las emociones, partiendo de la premisa de que la razón puede servir para despertar la compasión. La historia sigue a un robot que llega a cuestionar su propia programación para acercarse a las emociones, planteando interrogantes sobre el libre albedrío y la responsabilidad compartida en la creación de una comunidad. Con momentos de intensa emoción, un estilo visual exquisito y un ritmo soberbio, se ha convertido en una de esas películas capaces de encandilar a públicos de cualquier edad.
5- El mal no existe
Ryusuke Hamaguchi se encuentra en un momento especialmente dulce de su carrera. Año tras año nos regala auténticas obras maestras. En El mal no existe, hace de la sencillez su principal virtud y propone una reflexión profunda sobre la naturaleza del mal sin recurrir a artificios o grandilocuencias. Con un estilo naturalista y una narrativa muy visual, cuenta la historia de una pequeña comunidad cuya estrecha convivencia con la naturaleza se ve amenazada por la llegada de una empresa interesada en construir un “glamping”. Hamaguchi, sin perder la serenidad ni el tono ligero de la puesta en escena, evidencia la tensión entre esa comunidad y un capitalismo voraz que busca beneficios económicos a costa de desequilibrar el entorno. A pesar de su aparente sencillez, El mal no existe se convierte en un contundente alegato ambiental y social, denunciando los efectos depredadores del turismo y la precariedad laboral.
6- Priscilla
Después de tanto escribir sobre Sofia Coppola, no podía no incluir esta nueva joya de su filmografía. Priscilla ofrece una mirada íntima y subjetiva a la relación entre Elvis Presley y la adolescente Priscilla Beaulieu, planteada como un coming of age que transita del cuento de hadas a una pesadilla tóxica y asfixiante en la que, encerrada en la lujosa cárcel de Graceland, Elvis ejerce cada vez más control sobre ella. Con un tono calmado, colores desaturados y un ritmo pausado, Coppola retrata la transformación de Priscilla, de ingenua niña a mujer consciente de su propia condición. Incapaz de recurrir a las canciones de Elvis, la directora acierta con el uso de otros temas —desde The Ramones hasta Frankie Avalon y Dolly Parton— para culminar en uno de los mejores finales del año, recuperando de forma poética la mítica I Will Always Love You, que Elvis quiso grabar sin éxito pero que cantó a Priscilla el día de su divorcio.
7- MaXXXine
MaXXXine cierra con fuerza la trilogía de Ti West iniciada con X y continuada con Pearl. En esta última entrega, la protagonista abandona la inocencia para asumir plenamente su papel de final girl, encarnando no solo la supervivencia física, sino también la evolución personal que la acompaña. La película se adentra en un slasher con estética ochentera, donde la música y el diseño de producción recrean a la perfección el desenfreno de la época. A la vez, profundiza en la crítica a la industria del entretenimiento, mezclando terror, sátira y un tono irreverente. El resultado combina la diversión sangrienta del género con una reflexión acerca de la fama y el poder transformador del cine, confirmando el talento de West para revitalizar los tropos más clásicos del horror.
8- Los que se quedan
Los que se quedan marca el regreso de Alexander Payne a su mejor cine, tras el desliz de Una vida a lo grande. Ambientada durante la Navidad de 1970 en un internado WASP, la historia sigue a Paul Hunham (Paul Giamatti), un profesor cascarrabias obligado a quedarse con varios alumnos que no tienen adónde ir. A través de personajes ricos en matices —como Angus, el inteligente y problemático estudiante interpretado por el debutante Dominic Sessa, o Mary Lamb (Da’Vine Joy Randolph), la jefa de cocina que acaba de perder a su hijo en Vietnam—, Payne mezcla humor y drama con un toque a lo Hal Ashby para profundizar en temas como la soledad, la pérdida y las diferencias de clase. El resultado es una película humanista y honesta que conecta con la tradición de Entre copas, Los descendientes o Nebraska, confirmando la maestría de Payne a la hora de plasmar la complejidad de las relaciones humanas con tan solo un gesto. Paul Giamatti, por su parte, también recupera su mejor nivel.
9- Pobres criaturas
En Pobres criaturas, Yorgos Lanthimos retoma la colaboración con Emma Stone y Tony McNamara cinco años después de La favorita, adaptando la novela de Alasdair Gray para narrar el viaje vital de Bella Baxter, una joven resucitada de forma “frankensteiniana” en la Inglaterra victoriana. La película combina un estilo narrativo desmesurado, humor surrealista y un cuidado barroquismo visual —con angulares extremos, decorados delirantes y música extravagante— para reflejar la evolución de Bella: desde su inocencia infantil hasta su despertar feminista, en un periplo por el mundo junto a un abogado (Mark Ruffalo) que ve amenazados sus privilegios masculinos. Willem Dafoe encarna al doctor Godwin Baxter (“God”), un científico temerario que experimenta con seres vivos, ofreciendo un entorno tan excesivo como pertinente, donde la crítica a los límites del progreso y la reivindicación de la autonomía femenina confluyen en una historia que funde el relato bíblico de Adán y Eva con la esencia de Frankenstein. Aquí, el exceso se erige en su mayor virtud.
10- El árbol de las mariposas doradas
Crítica de El árbol de las mariposas doradas
El árbol de las mariposas doradas fue una de las grandes revelaciones del año pasado —aunque en España se haya estrenado este año—, tras su paso por la Quincena de Realizadores de Cannes con el premio Caméra d’Or incluido. Sorprendió por su audacia, belleza visual y por la capacidad de su director, Thien An Pham, de aportar una voz propia en su primer largometraje. La película sigue a Thien, un joven que, tras un suceso trágico, inicia un viaje espiritual desde el bullicio de Saigón hasta los paisajes rurales de Vietnam, explorando temas universales como la identidad, la pertenencia y las contradicciones personales. Con influencias de grandes maestros asiáticos —Tsai Ming-liang, Apichatpong Weerasethakul o Park Chan-wook—, Pham construye largos planos fijos y secuencias de gran riqueza sensorial, acompañados por un diseño sonoro cuidadosamente elaborado que sumerge al espectador en la atmósfera vietnamita. La narrativa, introspectiva y poética, invita a la reflexión sin dar respuestas fáciles, logrando una experiencia que perdura en la memoria mucho después de que los créditos finales desaparezcan.
Las favoritas de Iñaki
1- La zona de interés
Aborda el Holocausto desde una perspectiva innovadora, centrándose en la vida cotidiana de la familia de Rudolf Höss junto al campo de concentración de Auschwitz. Jonathan Glazer utiliza técnicas contemporáneas, como la grabación digital y cámaras ocultas, para evitar un estilo histórico y enfatizar la relevancia actual de la historia con un estilo de Gran Hermano. Aséptica y objetiva, evita manipulaciones emocionales y primeros planos. Es la cara opuesta de La lista de Schindler. La música, el sonido y la fotografía crean una atmósfera de puro horror contrastando con la cotidianidad. Invita a la reflexión sobre nuestra propia indiferencia ante las atrocidades.
2- Sangre en los labios
Crítica de Sangre en los labios
Sexy, con mucha química entre dos actrices complementarias: Kristen Stewart, de aspecto frágil pero con un personaje de fondo agresivo y Katy O’Brian que combina la brutalidad de su cuerpo con un rostro y fondo dulce. Fetichista, macrófila. Sudorsa, con músculos crepitando al borde del body horror, con olor a gimnasio y sabor a esteroides. Violenta, oscura y fantasmagórica. Neonoir con anabolizantes. Ed harris desatado. Verhoveniana en su estética hortera y su sexualidad rotunda. Todo un viaje.
3- Anora
Sean Baker es uno de los mejores cineastas del momento y con su nueva película lo vuelve a demostrar. Tiene la capacidad de tratar temas sociales con aparente frivolidad y de mezclar el drama con la comedia en un tono muy difícil de conseguir. Parte de una premisa al estilo de Pretty Woman y le da la vuelta con un estilo realista que no renuncia del todo a un espíritu optimista dentro de lo que es razonablemente creíble. Baker no cae en el cuento de hadas, cuenta historias de la calle. Detrás de la sofisticación y estilo moderno, no deja de ser de alguna manera, una revisión más de Orgullo y prejuicio.
4- Nosferatu
Robert Eggers se apoya en el Nosferatu original y la novela de Bram Stoker para construir su propia visión del mito de Drácula. Una representación de la época realista y detallada y, al mismo tiempo, una estética de pesadilla, apabullante e inmersiva que te agarra desde el principio y no te deja respirar un momento. Los terrores del romanticismo llevados a la pantalla. Un vampiro despojado de glamour que es pura visceralidad. Y un personaje fememino más relevante que en ninguna de sus predecesoras, destacando el tema de la sexualidad de la mujer en el siglo XIX.
5- Mars Express
Robocop, 2001, una odisea en el espacio, Los amos del tiempo, Ghost in the Shell. Esas son las cuatro referencias que tenía en la cabeza el director de Mars Express, Jérémie Périn. De ahí solo podía salir un regalo para los amantes de la ciencia ficción inteligente. Combina el estilo noir con preguntas profundas sobre el transhumanismo, la identidad, el alma y la tecnología. Con el sabor a Métal Hurlant pero con la agilidad de técnica de animación moderna.
6- Rivales
Con un argumento de una comedia romántica de gesto más o menos serio, Luca Guadagnino nos regala un espectáculo rítmico, una coreografía de hiper-tenis con una impecable banda sonora electrónica de los dioses Trent Reznor y Atticus Ross. Montaje virtuoso y una dirección sexy con un triángulo perfecto. Los tres están genial, pero Zendaya emite más energía que nunca.
7- El mal no existe
Ryūsuke Hamaguchi construye su cine con un ritmo propio. Una calma que te va introduciendo en una historia sin estridencias, sin grandes eventos, héroes o villanos. Una historia cotidiana que va mostrando la personalidad de los individuos y las dinámicas de grupo. Los intereses empresariales, lo deshonesto, lo inevitable. Algo tiene este director que consigue tu atención con un personaje llenando agua de un manantial sin que sientas la necesidad de mirar el móvil. Terapia para nuestros tiempos frenéticos.
8- Maxxxine
Ti West cierra en alto su trilogía de estudio del género a través de las épocas, con una Mia Goth que ya es reina absoluta del terror. West es un especialista en recrear las cinematografía de otro tiempo y aquí juega con muchas texturas y formatos. Cine dentro del cine, referencias e influencias. Estudio del giallo americanizado de los 80. Otro retrato del L.A. más misterioso, al pie de las colinas. Divertida, violenta, desacomplejada y vuelvo a utilizar un adjetivo que define a varias de mis elecciones de este año: muy sexy.
9- Secretos de un escándalo
Crítica de Secretos de un escándalo
Todd Haynes retuerce los géneros, orbitando sobre el true crime televisivo, para ir sedimentando sus capas de ficción y buen cine de alguna manera sobre esta base. Esta película es, por tanto, asomarse continuamente al abismo del ridículo y la parodia sin llegar a caer jamás, con un equilibrio virtuoso. Julianne Moore estupenda en un personaje complejo que se va desenvolviendo poco a poco. Natalie Portman impecable, en un papel frío al tiempo que seductor, manipulador y mimético. Una de esas obras tan inclasificables que solo podía ser un desastre o salir muy bien. Afortunadamente es lo segundo.
10- Priscilla
Ni diga biopic, diga película de Sofia Coppola. Aunque trata la historia de Priscilla con Elvis, lo primero que percibimos es esa sensibilidad ya en la propia imagen y en la música, tan delicada y azucarada, propia de la genial directora. Una historia que no cae en los ojos del presente para juzgar el pasado y habla del patriarcado sin culpabilizar en exceso a la persona (Elvis). Una película sobre todo lo relacionado con Elvis que está fuera del mito. Y evidentemente, ella es la protagonista, un gran trabajo de Cailee Spaeny.
Las favoritas de Sandra
1- La zona de interés
2- La quimera
3- Anora
4- El mal no existe
5- El árbol de las mariposas doradas
6- No esperes demasiado del fin del mundo
7- Sangre en los labios
8- Maxxxine
9- Volveréis
10- Desconocidos
Las favoritas de Carlos
1- La zona de interés
2- Los que se quedan
3- La quimera
4- El mal no existe
5- Desconocidos
6- El árbol de las mariposas doradas
7- No esperes demasiado del fin del mundo
8- Pobres criaturas
9- Nosferatu
10- Joker: Folie à deux