Ricardo Fernández30 películas del Zinemaldia recomendadas en el 73 Festival de Cine de San Sebastián
Ya se acerca el Zinemaldia, nueve días en los que San Sebastián vive y respira cine. Películas de todo tipo y para todo tipo de públicos. Un mar de ofertas en el que es muy fácil perderse. Como cada año, en El Contraplano hacemos una selección de los títulos que creemos más relevantes de la edición. Una mezcla entre las películas que ya hemos visto y, en el caso de las que no, nuestras sensaciones por las filmografías previas y la información que nos llega de la gente del mundillo. Como siempre, os animamos a probar cine diferente, a descubrir cosas nuevas y a aprovechar que durante esos días se proyectan películas que luego será difícil ver en pantalla grande.
Sección Oficial
A la hora de escribir este texto todavía vamos casi a ciegas con las películas de Sección Oficial, sin apenas referencias de las películas que han pasado previamente por Toronto, pero hemos venido a jugar y estas son nuestras recomendaciones entre las películas que compiten por la Concha de Oro
Maspalomas, de Jose Mari Goenaga, Aitor Arregi
Con La trinchera infinita ganaron la Concha de Plata a la Mejor Dirección, el Premio del Jurado al Mejor Guion y el Flipesci Zinemaldia. Luego fueron a Venecia, a la sección Orizzonti, con la magnífica Marco. Este año, Los Moriarti regresan a San Sebastián, a casa, con Maspalomas, y por supuesto que recomendamos esta película. En esta ocasión el proyecto corre a cargo de Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi, quienes presentan un filme que, como todo su cine, tiene varias capas de lectura y una emotiva trama. Con interpretaciones espectaculares y situaciones que nos harán pensar y provocarán conversaciones a la salida, esta es una apuesta segura.
SAI: disaster, de Yutaro Seki y Kentaro Hirase
De Roleless —que nos gustó mucho en Nuevos Directores 2022— a la Sección Oficial: ese es el salto de Seki y Hirase. Estos dos directores, que forman parte del colectivo “gogatsu”, lucharán por la Concha de Oro con SAI: disaster (災), un oscuro thriller coral donde un hombre misterioso (el magnético Teruyuki Kagawa) adopta identidades cambiantes —profesor, camionero, barbero…— y cuyas apariciones siempre vienen acompañadas de muerte. Una detective (Anne Nakamura), con ayuda de Kaito Miyachika y Pistol Takehara, intenta encajar las piezas. La película es un remontaje de la serie japonesa SAI (6 episodios emitidos en WOWOW), que condensa aquella historia en formato largometraje, y promete ser un potente drama de suspense psicológico.
Le Cri des Gardes (The Fence), de Claire Denis
Claire Denis es una directora clave del cine contemporáneo. Es la responsable de títulos como Chocolat (pero no la de Juliette Binoche y Johnny Depp, esa era de Lasse Hallström), Beau Travail, Trouble Every Day, 35 Shots of Rum, High Life (que estuvo a concurso en el Zinemaldia), Both Sides of the Blade (que le valió el Oso de Plata en Berlín) o Stars at Noon (Gran Premio del Jurado en Cannes). Su cine se ha caracterizado por una mirada sensual y política a la vez, por su ritmo hipnótico y por su obsesión con las huellas del colonialismo. En The Fence parece no abandonar esa idea y adapta a Bernard-Marie Koltès. Esperamos atmósferas densas, tensiones físicas y encuadres cerrados que convertirán una noche en un campamento de África Occidental en un barril de pólvora. Horn (Matt Dillon) y Cal (Tom Blyth) son dos ingenieros acorralados por Alboury (Isaach De Bankolé), que exige la devolución del cuerpo de su hermano, mientras Leone (Mia McKenna-Bruce) asiste impotente al desastre. No será una obra cumbre de la directora, pero seguro que resulta interesante.
Deux pianos (Two Pianos), de Arnaud Desplechin
Otro grande del cine francés, autor de Reyes y reina (2004), Un cuento de Navidad (2008), Tres recuerdos de mi juventud (2015) o Roubaix, une lumière (2019), es un habitual de Cannes desde hace décadas. Sin embargo, esta vez Desplechin no pasó por la Croisette —probablemente por calendario: el rodaje acabó en diciembre y la posproducción empujó al circuito de otoño— y, tras pasar por Toronto, vendrá a San Sebastián a competir por la Concha de Oro. Esperamos un drama con pliegues de romance y misterio psicológico en el que François Civil encarnará a Mathias Vogler, un pianista que regresa a Lyon para reencontrarse con su mentora, Elena (Charlotte Rampling), y con su pasado sentimental encarnado en Claude (Nadia Tereszkiewicz). Una historia atravesada por el motivo del doble y la música, con partitura de Grégoire Hetzel, que reúne a una leyenda como Rampling con una de las actrices jóvenes más prometedoras del cine francés actual. Parece que Desplechin sigue muy fiel a sus obsesiones: memoria, identidades partidas, amores imposibles.
Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa
Tras el fenómeno de Cinco lobitos (tres Goya, incluida Dirección Novel) y la magnífica Querer (también el patinazo de Eres tú, pero vamos a olvidarlo), Alauda Ruiz de Azúa aterriza en la Sección Oficial con Los domingos, escrita y dirigida por ella misma. La película sigue a Ainara (debut de Blanca Soroa), una joven brillante de 17 años que desconcierta a su familia al confesar que se siente llamada a la clausura. En el reparto la arropan Patricia López Arnaiz, Juan Minujín y Nagore Aranburu, entre otros. El proyecto nace de una anécdota real que la directora escuchó hace años y se articula —según ella misma explica— desde dos miradas: la de Ainara, que parece huir del mundo, y la de Maite, la tía que intenta convencerla (o convencerse) de que este merece la pena. Una historia de fe, familia y dudas razonables que planteará preguntas sin respuestas fáciles.
Perlak
Esta es la sección más fácil de recomendar porque casi todas las películas ya las hemos visto —en otros festivales o en nuestras escapadas transpirenaicas— o, por lo menos, cuentan con abundantes críticas tras su paso por certámenes internacionales o estrenos comerciales en otros países.
Nouvelle Vague, de Richard Linklater
El director de Antes del amanecer, Antes del atardecer, Antes del anochecer, Boyhood, Hitman… es una recomendación segura, sobre todo si presenta una película como Nouvelle Vague, divertida, con mucho ritmo y aún más encanto. Una aproximación al rodaje de À bout de souffle (Al final de la escapada), la ópera prima de Jean-Luc Godard, una de las cumbres de la Nouvelle Vague y una obra que cambiaría la idea de lo que debían ser las películas y cómo se podían hacer. Los conocedores no descubrirán nada nuevo, pero podrán disfrutar de los guiños y recreaciones. Para quienes esta sea su primera aproximación a lo que significó la película de Godard, es una magnífica puerta de entrada, entretenida y que transmite bien la importancia de ese momento.
‘Nouvelle Vague’, homenaje al legado
19/05/2025 - Ricardo FernándezNouvelle Vague es una película divertida, ágil y con mucho encanto. Aunque sencilla en sus formas, Linklater consigue transmitir su amor hacia uno de los capítulos más vibrantes del cine de manera accesible y atractiva tanto para cinéfilos expertos como para espectadores nuevos y curiosos. Leer más
El mago del Kremlin, de Olivier Assayas
Otro director que es una apuesta segura es el francés Assayas: Irma Vep, Carlos, Las horas del verano, Personal Shopper… En esta ocasión adapta la novela de Giuliano da Empoli, con ayuda de Emmanuel Carrère en el guion, y firma un thriller político de lectura clara, casi como un “curso elemental” sobre cómo se fabrica el poder en la Rusia postsoviética. Vadim Baranov (Paul Dano), un ficticio asesor, guía al espectador por la maquinaria de televisión, propaganda y mito, mientras un Putin encarnado por Jude Law va mostrando su ambición y ansia de poder. Una buena forma de acercarse a un personaje clave del presente mundial e igualmente disfrutable para quien conozca la historia, porque, aunque la película no cuente nada nuevo, es un thriller político entretenido, bien rodado y con profundidad ética.
El mago del Kremlin. Curso de Putin elemental
31/08/2025 - Carlos Elorza7 Olivier Assayas regresa al cine político con El mago del Kremlin, una ambiciosa adaptación de la novela de Giuliano da Empoli que confirma su talento para abordar la historia reciente desde una mirada lúcida, analítica y formalmente refinada. Tras la excelente Carlos (2010), sobre el célebre terrorista Ilich Ramírez Sánchez, y la muy deslucida La Red Avispa (2019), en […] Leer más
Jay Kelly, de Noah Baumbach
Otro director que gusta mucho por esta casa es Noah Baumbach —Una historia de Brooklyn (2005), Frances Ha (2012) o Mientras seamos jóvenes (2014)—, que en esta ocasión ha presentado una comedia melancólica y juguetona sobre la identidad de una superestrella a punto de perderse en su propio reflejo: un vodevil emocional que alterna confidencias, ruedas de prensa y pasillos de hotel mientras se pregunta, sin solemnidad, qué queda del hombre tras el icono. Un gran George Clooney se ríe de sí mismo con encanto, escoltado por un sorprendente Adam Sandler y la siempre magnífica Laura Dern, en un relato que asume —como se dice en la propia película— que “las películas son pedazos de tiempo”. Ideal tanto para quien quiera disfrutar de una comedia de enredo vertiginosa, como para quien desee ver a una estrella de Hollywood bailando con sus dudas en pleno escaparate festivalero.
Jay Kelly: El viaje de una estrella
29/08/2025 - Carlos Elorza7 “Para nosotros las películas son pedazos de tiempo”, se dice en un momento de Jay Kelly, y pocas frases podrían encapsular mejor el espíritu de esta nueva película de Noah Baumbach. El director neoyorquino firma aquí una de sus comedias más vitales y chispeantes, un retrato en clave de vodevil emocional sobre la identidad, la fama, […] Leer más
Ciudad sin sueño, de Guillermo Galoe
Guillermo Galoe no es tan conocido como los nombres citados hasta ahora. De hecho, este es su primer largometraje de ficción, pero llega a Perlak tras haber ganado premios en la Semana de la Crítica de Cannes. Antes de eso, Galoe obtuvo el Goya a Mejor Largometraje Documental por Frágil equilibrio. Su anterior corto, Aunque es de noche, mostraba la crudeza y la ternura de la Cañada Real a través de un puñado de adolescentes que intentaban abrirse paso entre apagones, chabolas y sueños. Ciudad sin sueño recoge ese testigo y lo amplía: reelabora personajes, modifica situaciones y adopta nuevos puntos de vista para levantar un retrato íntimo, honesto y poético de la vida en la Cañada. La película sigue a varios jóvenes que habitan en este asentamiento madrileño, obligados a convivir con cortes de luz continuos y la amenaza constante del desalojo, pero que también encuentran espacio para el deseo, la amistad y la resistencia cotidiana. Una obra rodada con cercanía y respeto que combina denuncia social con una mirada llena de dignidad y belleza.
‘Ciudad sin sueño’: dignidad y poesía en la Cañada Real
23/05/2025 - Carlos Elorza7 Guillermo Galoe, cineasta madrileño galardonado con el Premio Goya al Mejor Largometraje Documental en 2017 por Frágil equilibrio —una obra que ofrece una visión original sobre la situación global contemporánea en diálogo con la figura del recientemente fallecido Pepe Mujica—, y con el Premio Goya al Mejor Cortometraje de Ficción en 2024 por Aunque es de noche, […] Leer más
Bugonia, de Yorgos Lanthimos
Tras el éxito de La favorita y Pobres criaturas, Lanthimos demuestra que no tiene intención de escoger el camino fácil. En esta ocasión presenta un remake de Salvar el planeta tierra (2003), filme de culto surcoreano de Jang Joon-hwan, y lo tiñe de comedia negra desquiciada, sátira paranoica y fábula apocalíptica, algo que suena a marca de la casa. Bugonia enfrenta a dos hombres que deciden secuestrar a una mujer convencidos de que así salvarán al mundo. Lo que empieza como una premisa delirante se convierte en una sátira feroz sobre el miedo al otro, la manipulación y la fragilidad de las certezas. Con su habitual mezcla de lo grotesco y lo cómico, Lanthimos firma un relato incómodo y provocador, que funciona tanto como divertimento retorcido como radiografía amarga de los tiempos que vivimos. Por si esto no fuera suficientemente atractivo, en el reparto están Jesse Plemons y una magnífica Emma Stone.
Bugonia: Males enfrentados
29/08/2025 - Carlos Elorza7 Con Bugonia, Yorgos Lanthimos vuelve a sumergirse en los delirios del ser humano moderno y lo hace con la libertad, el cinismo y la osadía que ya son marca de la casa. Esta vez, el griego se apoya en un material ajeno, Salvar el planeta tierra (2003), film del surcoreano de Jang Joon-hwan, una delirante comedia […] Leer más
O agente secreto (El agente secreto), de Kleber Mendonça Filho
El director de Aquarius, Bacurau y Retratos fantasmas vuelve con un thriller político que combina espionaje, intriga y memoria. El agente secreto arranca con una poderosa escena en una gasolinera del noreste de Brasil y se despliega como un relato sobre alias, archivos y cicatrices de la dictadura, pero también sobre cines que fueron refugio y sobre la herencia de una generación marcada por la violencia. Con Wagner Moura espléndido —premiado en Cannes— y ecos de Carpenter y De Palma en su puesta en escena, Mendonça Filho firma una obra irregular en su arranque pero brillante en su segunda mitad, atravesada por las heridas de un país y por su propia memoria personal, como en él es habitual.
‘El agente secreto’: Entre archivos, espías y memoria
23/05/2025 - Ricardo FernándezKleber Mendonça Filho regresa a la ficción con un thriller político cargado de cinefilia y memoria, en el que Recife vuelve a ser mucho más que un decorado. Leer más
Ástin sem eftir er (El amor que permanece), de Hlynur Pálmason
Tras Winter Brothers, A White, White Day y Godland, Pálmason firma aquí su película más íntima: un retrato familiar tras una separación, sin grandes explosiones dramáticas ni juicios, solo la observación paciente de un año de vida. Con sus propios hijos como protagonistas y él mismo tras la cámara, el director convierte lo cotidiano en cine físico y poético, donde Islandia deja de ser escenario para convertirse en un personaje más. Viñetas llenas de humor, ternura y simbolismo que, pieza a pieza, construyen un álbum de memoria cargado de emoción. Un cine que parece pequeño, pero que permanece mucho tiempo dentro. Además, presenta otra película en Zabaltegi (Jóhanna af Örk / Joan of Arc) y una exposición en Tabakalera: las tres propuestas se complementan entre sí.
‘The Love That Remains’: Un año en Islandia
- Ricardo Fernández7.5 Reseña de Ástin sem eftir er, de Hlynur Pálmason Hlynur Pálmason es un director en crecimiento, como se ve con Winter Brothers, A White, White Day y, sobre todo, Godland. Ahora continúa esa trayectoria presentando en Cannes Ástin sem eftir er (The Love That Remains o L’amour qu’il nous reste, según la versión que […] Leer más
It Was Just an Accident, de Jafar Panahi
Es cierto que las últimas películas de Panahi eran bienintencionadas pero algo pobres cinematográficamente: el precio de la clandestinidad y el encierro. Esta no. Con Un simple accidente, Panahi vuelve con más fuerza que nunca, con un relato contenido en espacio pero expansivo en rabia: un hombre que reconoce a su torturador y lo encierra en una furgoneta junto a otras víctimas, obligando a decidir entre justicia, venganza o perdón. Panahi rueda con urgencia y tensión, sin juegos metacinematográficos ni disfraces, solo con la necesidad de hablar claro. La fotografía de Amin Jafari aporta una contundencia visual inédita en su etapa más clandestina y convierte este thriller moral en su obra más directa y poderosa. Un regreso emocionante y político, dentro y fuera de la pantalla.
‘It Was Just An Accident’: El Panahi más directo
- Ricardo Fernández7.5 Reseña de It Was Just An Accident, de Jafar Panahi El regreso de Jafar Panahi a Cannes no ha sido solo un evento cinematográfico; también ha sido algo emocional y político. Quince años después, tras decenas de batallas judiciales, encierros y prohibiciones en su país, el cineasta iraní ha podido volver a pisar el […] Leer más
Orwell: 2+2=5, de Raoul Peck
El director de I Am Not Your Negro y El joven Karl Marx vuelve a poner la historia al servicio del presente con un documental tan contundente como incómodo. A partir de la vida y los textos de George Orwell, Peck construye un relato que une biografía, geopolítica y memoria del siglo XX para mostrar cómo hace décadas que estábamos avisados de los peligros del poder, la manipulación del lenguaje y la vigilancia. Narrada con sobriedad por Damian Lewis y con un montaje brillante que enlaza archivos, escritos y actualidad, la película no descubre nada nuevo, pero precisamente ahí reside parte de la fuerza de su mensaje: ¡¡estábamos avisados!!
‘Orwell: 2+2=5’: Estamos perdiendo la batalla
19/05/2025 - Ricardo Fernández7.5 Raoul Peck ha construido su carrera cinematográfica intentando entender las grietas del presente desde las heridas del pasado. El director haitiano, conocido por su potente mezcla de cine político e histórico en películas tan destacadas como I Am Not Your Negro o El joven Karl Marx, aterriza ahora en Cannes con Orwell: 2+2=5, un […] Leer más
La grazia, de Paolo Sorrentino
Sorrentino inauguró Venecia con su mejor película desde La gran belleza (y han pasado muchos años, y películas, ya). En La grazia seguimos a un presidente italiano interpretado, cómo no, por Toni Servillo, aunque mucho más contenido que otras veces, que, al borde de dejar el cargo, debe lidiar con la eutanasia, los indultos y, sobre todo, con la soledad tras quedarse viudo. Podría sonar a fábula política, pero Sorrentino va por otro lado: menos ideología, más humanidad, más vacío existencial. Visualmente sigue siendo un festín, pero esta vez más controlado y puesto al servicio de la historia. Si antes nos contaba la decadencia con fuegos artificiales, ahora nos regala una elegía íntima y sorprendentemente sobria.
La Grazia: Los últimos días del Presidente
28/08/2025 - Carlos Elorza7 Con La Grazia, Paolo Sorrentino regresa al Festival de Venecia para inaugurar esta edición con su mejor película desde La gran belleza. Una obra que, sin abandonar su inconfundible estilo visual y narrativo, se sitúa en un terreno más contenido y reflexivo que en anteriores ocasiones. El filme sigue los últimos días en el […] Leer más
Horizontes Latinos
De Horizontes Latinos también hemos visto algunas películas y de otras tenemos las reseñas tras su paso por distintos festivales. Entre toda la oferta de la sección hemos seleccionado estos títulos.
La misteriosa mirada del flamenco, de Diego Céspedes
Una película especial, de esas que bien podrían haber encontrado hueco en Zabaltegi-Tabakalera por su riesgo y su rareza. Diego Céspedes debuta con un western queer en el desierto chileno de los 80, donde un cabaret habitado por travestis se convierte en refugio, en amenaza y en lugar sagrado según quién mire. Con una niña como testigo silencioso y la sombra del sida sobrevolando, la película mezcla alegoría, poesía y atmósfera hipnótica. No busca gustar a todo el mundo, pero es auténtica y mágica. Cine para quienes buscan propuestas más arriesgadas. Y que nadie se equivoque: aquí el flamenco no es un estilo musical.
‘La misteriosa mirada del flamenco’: Western Queer
24/05/2025 - Ricardo Fernández6 Reseña de La misteriosa mirada del flamenco, de Diego Céspedes La misteriosa mirada del Flamenco transcurre en un pueblo polvoriento del norte de Chile, en los años 80, en mitad del desierto, casi abandonado. Lo que vemos no es exactamente realismo, ni exactamente fantasía. Es una mezcla rara y cautivadora: un saloon de western […] Leer más
Un poeta, de Simón Mesa Soto
El colombiano Simón Mesa Soto fue Palma de Oro al mejor corto en 2014, presentó su primer largometraje, Amparo, en la Semana de la Crítica de 2021 y con Un poeta ha ganado el premio del jurado de Un Certain Regard. Un poeta es la tragicomedia de Óscar, un poeta fracasado que ve en una joven con verdadero talento la oportunidad de redimirse. Podría ser la típica historia de maestro y discípula, pero Mesa Soto prefiere reírse con ironía de la precariedad, del ego disfrazado de vocación y de la fe obstinada en el arte. Un humor ácido y tierno a la vez, interpretado por actores no profesionales que aportan frescura y autenticidad. Cine modesto pero con muchas cosas que decir, a medio camino entre la comedia y el drama, que confirma a Mesa Soto como un nombre a seguir.
‘Un poeta’: Fe, obstinación y meteduras de pata
26/05/2025 - Ricardo Fernández7 Reseña de Un poeta, de Simón Mesa Soto A pesar de no ser muy conocido, Simón Mesa Soto tiene una larga y peculiar relación con el Festival de Cannes. Lleva más de una década apareciendo por la Croisette con obras pequeñas y discretas, construyéndose una carrera que, poco a poco, comienza a despegar. Ganó […] Leer más
El mensaje, de Iván Fund
Iván Fund es un nombre habitual del cine independiente argentino, con títulos como Los labios (en colaboración con Santiago Loza) o Vendrán lluvias suaves. Con El mensaje ha dado un salto importante: ganó el Oso de Plata del Jurado en la Berlinale y también el premio FIPRESCI. Rodada en un evocador blanco y negro, la película sigue a una niña con el don de comunicarse con los animales que viaja en una vieja caravana junto a sus tutores, ofreciendo consuelo a quienes lo necesitan. Un relato sereno y poético que, según la crítica, se mueve con naturalidad entre lo cotidiano y lo sobrenatural, confirmando a Fund como uno de los cineastas latinoamericanos más interesantes del momento.
Nuestra tierra, de Lucrecia Martel
Lucrecia Martel, la voz más singular del cine argentino contemporáneo tras títulos como La ciénaga, La niña santa, La mujer sin cabeza o Zama, abandona la ficción para adentrarse en el documental. Nuestra tierra parte del asesinato del líder indígena Javier Chocobar y lo enlaza con siglos de despojo legal y exclusión sistemática en Tucumán. La película observa con precisión cómo el sistema judicial perpetúa esas injusticias, mientras Martel despliega su inconfundible mirada sobre los paisajes, los archivos y los juicios. Es un trabajo que, como toda su filmografía, hurga en la identidad y en las fracturas históricas, con un rigor y una potencia que lo convierten en una película urgente y profundamente coherente con el recorrido de su autora.
Nuestra tierra. (In)justicia y colonialismo en el siglo XXI
07/09/2025 - Carlos Elorza7.5 Con Nuestra Tierra, Lucrecia Martel firma su primer largometraje documental y, a la vez, una de las obras más contundentes y urgentes de su carrera. Martel desplaza ahora su mirada de la ficción a lo real sin abandonar su estilo característico: una puesta en escena meticulosa, un diseño sonoro envolvente y una narrativa fragmentaria […] Leer más
Zabaltegi-Tabakalera
Adentrarse en esta sección supone probar películas que se salen de la norma, con propuestas diferentes a lo que se suele ver en las salas de cine. Si no quieres arriesgar, esta no es tu sección. Pero si quieres descubrir cosas nuevas y aprovechar que estas películas tendrán complicado volver a verse en una sala de cine, no lo dudes.
Fiume o morte!, de Igor Bezinović
Bezinović nació en Rijeka, una ciudad balcánica con identidad inestable debido a la cantidad de veces que ha pasado de manos —austrohúngara, italiana, yugoslava y ahora croata—. Su tercer largometraje se centra, precisamente, en su ciudad natal. Es una película irreverente que brilló en Rotterdam llevándose el Tiger Award y el FIPRESCI. Una película histórica que no se basa en recitar fechas o nombres olvidados, sino que invita a los vecinos a volver a representar aquella época delirante en que el poeta Gabriele D’Annunzio se autoproclamó dictador de la ciudad. Una manera de reescribir el pasado con humor crítico y sin solemnidad. El experimento combina recreaciones, fotos de archivo, entrevistas espontáneas y disfraces que erizarán el vello de los más puristas. El resultado es un híbrido audaz, corrosivo e ingenioso.
Urchin, de Harris Dickinson
A Harris Dickinson lo conocíamos como actor tras verle en Beach Rats, Triangle of Sadness o Babygirl, por ejemplo. Con Urchin hace su debut como director y, de momento, ya ha ganado el FIPRESCI y el premio al Mejor Actor (Frank Dillane) en la sección Un Certain Regard de Cannes. La película sigue a Mike, un joven sin hogar que trata de recomponer su vida tras salir de prisión, atrapado en ciclos de autodestrucción, adicciones y escasos apoyos sociales. Es un relato crudo pero también sorprendentemente lleno de humor y humanidad. Dickinson evita los lugares comunes del cine sobre pobreza: hay momentos surrealistas, chispa negra y una mirada auténtica que esquiva juicios fáciles. Una ópera prima con garra y compasión. Parece que no será la última vez que oigamos hablar de Dickinson como director.
Kota (Hen), de György Pálfi
El director húngaro György Pálfi, que obtuvo una mención en Nuevos Directores en 2002 con Hipo y es responsable de títulos como Taxidermia, Final Cut, Free Fall o I Am Not Your Friend, presenta una fábula moderna protagonizada por una gallina que escapa de una granja industrial y se refugia en el patio de un restaurante griego abandonado. Allí busca un hogar, defiende sus huevos y desafía un orden brutal de supervivencia, como espejo de los silencios y renuncias humanas. Un relato absurdo y tierno, filmado íntegramente en Grecia, que demuestra que Pálfi sigue dispuesto a contar el mundo desde sitios inesperados, con metáforas tan contundentes como conmovedoras.
La tour de glace (La torre de hielo), de Lucile Hadžihalilović
Lucile Hadžihalilović es una vieja conocida del Zinemaldia. Su primer largometraje, Innocence, ganó el Premio Nuevos Directores; Evolution recibió el Premio del Jurado, y Earwig el Premio Especial del Jurado. Esta vez viene a Zabaltegi, una sección donde su cine, diferente, extraño y arriesgado, encaja como anillo al dedo. La tour de glace es una fábula moderna e inquietante: en la Francia de los setenta, una joven huye de su orfanato y se esconde en unos estudios donde se rueda una adaptación de La Reina de las Nieves. Allí entra en contacto con la diva que interpreta al personaje (Marion Cotillard) y se instala una extraña fascinación entre ambas. La película se mueve en esa fina línea entre lo real y lo onírico, cargada de atmósfera y simbolismo. Conquistó en la Berlinale el Oso de Plata a la mejor contribución artística, además del premio al mejor diseño de producción y el Narcisse del Festival de Neuchâtel. Una propuesta que promete ser extraña y perturbadora.
Blue Heron, de Sophy Romvari
Primera película de la canadiense Sophy Romvari, hasta ahora conocida por cortos como Still Processing, que ya apuntaban a una sensibilidad especial. Presentada en Locarno, ese festival que se caracteriza por sus propuestas arriesgadas y alejadas de lo convencional, se llevó el Leopardo de Oro en Cineastas del Presente y el Swatch First Feature Award. Blue Heron retrata la llegada de una familia húngara a la isla de Vancouver en los noventa a través de la mirada de Sasha, la hija pequeña, que observa tensiones y silencios difíciles de descifrar. La crítica destacó su belleza emocional y su estructura fragmentada, por ser un cine que insinúa más de lo que muestra, con imágenes cautivadoras.
Lurker, de Alex Russell
Guionista y productor en series como The Bear y Beef, Alex Russell debuta en la dirección con Lurker, estrenada en Sundance y presentada después en la Berlinale. La película, aún sin premios pero muy celebrada por la crítica, es un thriller psicológico sobre la obsesión con la fama y las relaciones parasociales, con ecos de Nightcrawler y El talento de Mr. Ripley. Con interpretaciones destacadas de Théodore Pellerin y Archie Madekwe, construye un relato inquietante y perturbador, sostenido más en la tensión y la incomodidad que en la violencia explícita. Un debut que confirma a Russell como un nombre a seguir.
La grève (The Strike), de Gabrielle Stemmer
Gabrielle Stemmer comenzó como montadora y dio el salto a la dirección con un ejercicio de montaje, el corto Clean with Me (After Dark) en 2020, un “desktop documentary” que construía su narrativa a partir de material encontrado en internet. Tras seguir trabajando como editora para otros cineastas, debuta ahora en el mediometraje (55 minutos) con La grève, otro ejercicio de montaje que se presenta como un collage íntimo y político. La película utiliza imágenes de archivo y la lectura de La chair est triste hélas, de Ovidie, para desmontar el modelo heterosexual con contundencia. Stemmer decide no generar nuevas imágenes, sino resignificar las ya existentes: materiales creados bajo sistemas patriarcales o capitalistas que, al ser descontextualizados, adquieren un nuevo sentido feminista. De ahí la idea de “huelga visual” —el propio título, La grève—: negarse a producir dentro de los marcos hegemónicos y, en su lugar, subvertir las imágenes del pasado. El resultado es una obra a la vez íntima y política, donde el medio se convierte en el mensaje.
New Directors
Si hay una sección difícil de recomendar es esta: cineastas sin apenas experiencia previa y sin pasos por festivales anteriores —excepto algún título que ha pasado por Toronto—. Pero eso nunca nos ha frenado y, además, tenemos nuestras fuentes. Estos dos títulos son nuestra apuesta para la sección.
The Son and the Sea, de Stroma Cairns
Stroma Cairns debuta en el largometraje con The Son and the Sea. Esta cineasta británica de raíces italianas y escocesas había firmado cortos como If You Knew —basado en sus propios problemas de pérdida auditiva—, Blud y había dirigido capítulos de la serie Mood. Aquí parte de lo personal: eligió como protagonista a su hermano Jonah West, acompañado de su mejor amigo Stanley Brock y de un reparto en el que figuran actores sordos y debutantes, para tratar de dotar de autenticidad a cada plano. El viaje de dos jóvenes por la costa escocesa se convierte en un relato sobre amistad, masculinidad y vulnerabilidad, atravesado por el encuentro con Charlie, un chico sordo que abre nuevas formas de comunicación. Stroma Cairns coescribe y coproduce junto a su madre, Imogen West, y se dice que la película se inscribe en esa tradición del realismo británico y del llamado UK seaside film, donde el paisaje no es decorado, sino espejo del estado interior de los personajes.
As We Breathe (Aldığımız Nefes), de Şeyhmus Altun
Ópera prima del kurdo-turco Şeyhmus Altun, que llega a New Directors tras ganar el premio WIP Europa en 2024 bajo el título Memento non mori. El director, nacido en Diyarbakır y formado en Estambul, aporta aquí una historia inspirada en su propia infancia: la de Esma, una niña de diez años cuya vida cambia tras la explosión de una planta química en su aldea de Anatolia. Entre humo, enfermedad y ruina económica, Esma observa a su padre resistirse a abandonar el hogar, mientras ella aprende demasiado pronto el peso de la adultez. Destaca la fotografía a cargo de Cevahir Şahin, responsable de About Dry Grasses, de Nuri Bilge Ceylan. Dicen que la película se inscribe en la tradición del cine de autor turco más exigente, heredera de Ceylan pero con voz propia. Un drama coming-of-age duro y poético, que convierte el acto de respirar —amenazado, contaminado— en metáfora de supervivencia y de comunidad. Una de las óperas primas más potentes del año.
Premio Donostia a Jennifer Lawrence
Una película que bien podría haber estado en Perlak, pero que en esta ocasión viene acompañada del Premio Donostia a la actriz norteamericana Jennifer Lawrence.
Die, My Love, de Lynne Ramsay
Este es un proyecto que comenzó a gestarse cuando Martin Scorsese leyó la novela homónima de Ariana Harwicz y pensó en Jennifer Lawrence como protagonista. Le pasó la novela, y la actriz propuso a Lynne Ramsay como directora. De ahí, a Cannes, donde la película generó división de opiniones por su arriesgada apuesta. Huelga decir que quien esto escribe se posicionó en el bando de quienes estaban a favor de la película. Die, My Love trata sobre maternidad, salud mental y aislamiento, con una Jennifer Lawrence sencillamente espectacular en el papel de Grace, una mujer al borde del colapso. La acompañan Robert Pattinson, Sissy Spacek y Nick Nolte, pero el protagonismo absoluto es para ella, de quien la cámara no se separa ni un segundo. Una interpretación salvaje, física y dolorosa. Ramsay convierte la historia en una experiencia sensorial y excesiva, con un sonido y un montaje que desorientan tanto como a la propia protagonista. Y sí, a veces se pasa de rosca, pero eso es exactamente lo que esperamos de Ramsay: que prefiera pasarse antes que quedarse corta y que se deje el miedo en casa.
‘Die My Love’, Jennifer Lawrence desatada
18/05/2025 - Ricardo Fernándezes lo que esperamos de Ramsay, que cuando dirija una película piense “mejor pasarme que quedarme corta”, que se deje el miedo en casa. Leer más
Además de las recomendaciones, también os dejamos un pequeño resumen de todas las películas que ya hemos visto de esta edición del Zinemaldia.
Zinemaldia 2025: Las que ya hemos visto
11/09/2025 - Ricardo FernándezUn repaso a las películas del 73 Zinemaldia que ya ha visto el equiipo de El Contraplano. Leer más